In der Ikonenkirche „Freude aller Trauernden“ in der Schpalernaja-Straße befindet sich eine Ikone der Neumärtyrerin Katharina von Petrograd (Arskaja). Was sie von anderen Gesichtern unterscheidet, ist, dass sie ganz in Goldschmuck gekleidet ist. Im Tempel heißt es, dass die Ringe, Ketten und Armbänder die Dankbarkeit derer darstellen, denen die wundersame Ikone geholfen hat, Eltern zu werden. Es stellte sich heraus, dass viele der Gemeindemitglieder seit Jahrzehnten darauf hinarbeiteten. Autor des Symbols Viktor Benderow erzählte, wie er sich von einem gewöhnlichen Künstler unterscheidet und warum auf den Gesichtern von Heiligen keine Spur von Trauer zu sehen sein sollte.
Mich selbst finden
Viktor Benderov malt seit 20 Jahren Ikonen. Er kann sich nicht erinnern, wie viele Gesichter im Laufe der Jahre unter seinen Händen hervorkamen. Aber er gibt zu, dass er keinen Tag ohne diese Aktivität verbringt. „Ich male jede Ikone immer mit Gebeten. Es geht nicht anders“, sagt er. - Ich habe nur eines ohne Gebet gemacht - als ich noch in der Armee war. Aber ich habe dieses Gesicht eher aus Liebe zur schönen Kunst als zu Gott geschaffen. Ich habe ihn erst viel später kennengelernt.“Victor wuchs in einer einfachen Familie von St. Petersburger Ärzten auf. Seine Eltern waren getaufte, aber nichtkirchliche Menschen. Damals wie heute ließen sich viele oft „zur Schau“ taufen, weil es notwendig war. Und sie kamen viel später zu Gott.
Victor war keine Ausnahme. Er sagt, er sei Ende der 80er Jahre ein „freier Bastard“ gewesen: Er habe entweder klassisch oder avantgardistisch gemalt. Aber weder mit dem einen noch mit dem anderen war er zufrieden. „Und in den 90er Jahren stieß ich auf den Satz von Edouard Manet: „Du wirst kein Künstler sein, wenn du die Malerei nicht am meisten liebst, aber wenn du nichts zu sagen hast, dann leb wohl!“, teilt der Ikonenmaler mit und seufzt. „Und dann wurde mir mit Verärgerung klar, dass ich außer den üblichen postsowjetischen Plattitüden eigentlich nichts zu sagen hatte.“ Und meine Arbeit gefiel mir damals nicht. Das hat mich dazu bewogen, aktiv zu suchen. Aber ich habe in erster Linie nach mir selbst gesucht.“
Dann begann er in Bibliotheken zu stöbern und beschäftigte sich aktiv mit Sport. Ich schwamm in einem Eisloch, lief im Winter nur in Sportshorts und machte Klimmzüge am Reck. Und er hat sogar 30 Kilogramm abgenommen. Er studierte auch weiterhin Malerei. Ich las eifrig, so viel ich konnte, aber es war immer noch nicht klar, was er dem Betrachter eigentlich vermitteln wollte. „Aktives Lesen, Malen, bis mir die Augen wehtaten, Sport, bis ich stark schwitzte, trugen Früchte“, stellt er fest. „Neben europäischen und östlichen Philosophen rückte eine andere Art von Literatur in den Blick.“
Eines Tages brachte ihm einer von Victors Freunden, ein Avantgarde-Künstler, ein Buch „Ikonostase“, das mit der Samizdat-Methode in seine Brust gedruckt worden war. „Zu diesem Zeitpunkt hatte ich bereits mit Erstaunen festgestellt, dass die orthodoxe Kirche nicht wirklich eine „Institution für unwissende alte Damen“ und nicht nur ein ethnografisches Museum war, für das ich sie zuvor gehalten hatte“, sagt Victor. „Auf Ausstellungen entdeckte ich nicht nur Landschaften mit Kirchen, sondern auch moderne Avantgarde-Malerei, die deutlich von christlichen Motiven inspiriert war.“
In diesem Moment wurde Benderov klar, dass es unmöglich war, halbherzig zu malen. Wir müssen alles geben. „Plötzlich kam ich zu dem Schluss, dass ich vorher nur Farbe auf Papier „geklatscht“ habe“, erinnert er sich. - Aber wir müssen nicht daran arbeiten, „die Werktätigen aller Länder zu unterhalten“, sondern für diejenigen, die Kummer und Kummer haben. Und solche Leute gehen, so wie ich es verstehe, normalerweise nicht in eine Ausstellung, sondern in die Kirche. So kam mir die Idee, Ikonenmaler zu werden.“
Spirituelle Revolution
Nachdem er sich entschieden hatte, Ikonenmaler zu werden, erfuhr Benderov, dass es irgendwo in der Theologischen Akademie eine Klasse für Ikonenmalerei gab. Dort fand er den jungen Hieromonk Alexander Fedorov und bat darum, dort eingeschrieben zu werden. Doch dann stellte sich heraus, dass nicht jeder, der möchte, Schüler dieser Klasse werden kann. Dabei handelt es sich nicht um eine Anmeldung, wie es in normalen Schulen der Fall ist. Der Hieromonk warnte davor, dass man zunächst mit dem Leben in der Kirche beginnen müsse – zu Gesprächen in der Sonntagsschule (zur Katechese) kommen und regelmäßig in die Kirche gehen müsse.Solche Bedingungen könnten jeden abstoßen, aber in Benderovo verstärkte dies nur den Wunsch, sich mit der Ikonenmalerei zu beschäftigen. Zunächst beichtete Victor und nahm die Kommunion. Er erinnert sich, wie er im wahrsten Sinne des Wortes unersättlich Simeon den neuen Theologen und andere ähnliche orthodoxe Literatur las. „Ich hatte eine gewaltige Revolution in mir“, gibt er zu. - Ich habe die Schrauben fest angezogen und aufgehört, meine Bilder zu verprügeln. Und nur ein Jahr später wurde ich in die Klasse für Ikonenmalerei aufgenommen.“
Als Victor eintrat, war er immer wieder entsetzt darüber, dass ihm alles aus den Händen fiel. Schließlich glaubte er, schon früher Bilder malen zu können, aber erst auf der Akademie, nach drei Studienjahren, lernte er, eine Linie wirklich gleichmäßig zu zeichnen. Und am Ende seines Studiums malte er die Ikone „Retter, der nicht von Hand gemacht wurde“.
Wenn Sie sich die Ikonen von Victor Benderov genau ansehen, werden Sie ein gemeinsames Merkmal bemerken: Es gibt keinen charakteristischen Abdruck der Trauer auf den Gesichtern der Heiligen. Der Ikonenmaler sagt, er selbst habe Schwierigkeiten, Gesichter mit einer solchen Stimmung wahrzunehmen. „Ikonen sollen das Auge erfreuen und den Menschen erleuchten. Es sei wichtig, Emotionen mit einem Blick, einem kaum wahrnehmbaren Lächeln, richtig zu vermitteln, da ist er sich sicher. „Deshalb lege ich immer großen Wert auf den Gesichtsausdruck.“
Heute sind Ikonen von Victor in verschiedenen Kirchen in St. Petersburg zu finden. Besonders viele davon gibt es in der Kapelle der Bildungskolonie Kolpino. Victor geht mehrmals pro Woche dorthin, um Teenagern, die in der Welt als schwierig gelten, dabei zu helfen, den richtigen Weg zu finden. „Jedes Mal, wenn er sich trifft, umarmt er alle Jungs. Und das ist sehr wichtig – spirituellen und körperlichen Kontakt zu verbinden“, sagt der Leiter der Kolonie, Wladimir Iwlew.
Unter der Vielfalt der russischen Gemälde nehmen Werke mit Darstellungen verschiedener architektonischer Objekte einen besonderen Platz ein. Am häufigsten handelt es sich dabei um Baudenkmäler – Tempel und Klöster –, die seit Jahrhunderten die Aufmerksamkeit von Künstlern auf sich ziehen, aber oft sind das Thema von Skizzen und manchmal großen Gemälden scheinbar unbedeutende Gebäude oder sogar Gebäudeelemente, wie Fenster, gewölbte Öffnungen usw Säulen. Da sie in der Realität nicht allzu viel Aufmerksamkeit erregen, werden sie von der Hand eines Meisters auf die Leinwand übertragen, werden zu einem fertigen Werk und ziehen die Aufmerksamkeit nicht schlechter auf sich als Genrebilder oder Porträts.
Durch die Entscheidung, fertige Gemälde zu kaufen, die auf die eine oder andere Weise das Thema Architektur widerspiegeln, haben Kenner der russischen Malschule die seltene Gelegenheit, die Kontinuität der Generationen mit eigenen Augen zu sehen. Kirchen und Klöster wurden oft zum Thema der Werke sowjetischer Künstler, aber auch moderne Autoren wenden sich diesem Thema zu. Die sowjetische Malerei bescherte der Welt Werke wie „Die Kirche in Ostankino“ von Igor Rubinsky, „Die Kathedrale in Susdal“ von Enver Ishmametov oder „Das Kloster“ von Vladimir Gremitsky. Es ist kein Zufall, dass jedes dieser Werke dem Betrachter genau die Winterzeit zeigt. Gedämpfte, kalte Farben und das Fehlen auffälliger, heller Details erinnern uns daran, dass Kirchen und Klöster in erster Linie spirituelle Wohnstätten und keine architektonischen Attraktionen für die Entwicklung des Tourismus sind. Durch das Hinzufügen eines solchen Gemäldes zu Ihrem Zuhause können Kunstliebhaber die strenge Einfachheit architektonischer Formen und die hervorragende Technik sowjetischer Malmeister genießen.
Auch moderne Autoren, die „den Staffelstab“ von der Vorgängergeneration übernommen haben, können sich der Darstellung von Kathedralen und Kirchen nicht verweigern. Aktuelle Gemälde von Künstlern, die sich diesem Thema widmen, zeichnen sich durch eine ständige Suche nach Innovation aus. Werke erschienen aus einem ungewöhnlichen Blickwinkel geschrieben, wie zum Beispiel „Bolkhov. Blick vom Glockenturm“ von Olga Sorokina oder „Nischni Nowgorod“. Blick auf die Rozhdestvenskaya-Straße“ von Daria Vorobyova. Der Betrachter scheint die Gelegenheit zu haben, von oben einen Blick auf die Kirchen zu erhaschen, das grelle Licht auf den goldenen Kuppeln einzufangen und die Umrisse der Stadt rund um den Tempel zu erkennen. Andere Autoren haben sich auf das Lichtspiel konzentriert. Yuri Aniskins Gemälde „Mariä Himmelfahrt-Kathedrale bei Sonnenuntergang“ vermittelt überraschend genau den sanften Glanz der untergehenden Sonne, der von den Wänden der Astrachaner Kreml-Kathedrale reflektiert wird. Das gleiche Thema ist im Werk von Igor Razzhivin mit dem poetischen Titel „Die Sonne ist in den Stämmen verwickelt“ sichtbar.
Sowohl in der Sowjetzeit als auch heute beschränken sich Künstler nicht nur auf die Darstellung orthodoxer Kirchen. Die Autoren fühlen sich von der subtilen Schönheit orientalischer Moscheen und Mausoleen angezogen. Der weltberühmte Samarkand-Komplex Shahi Zinda wurde von vielen russischen Künstlern eingefangen. Die azurblauen Kuppeln wurden von Valery Kovinin bemalt und Alevtina Kozlova war von den kunstvoll verzierten Bögen der Mausoleen fasziniert. Der Kauf von Ölgemälden auf Leinwand, die dieses architektonische Ensemble darstellen, bedeutet, dem Innenraum eine subtile orientalische Note zu verleihen und sich und Ihren Lieben die einmalige Gelegenheit zu geben, täglich das Erbe vergangener Epochen zu bewundern, das uns im Laufe der Jahrhunderte überliefert ist.
Wie die Kirchenväter lehren, besteht ein Tempel nicht nur aus Mauern, in denen Gottesdienste abgehalten werden. Je nach Religion haben Symbole eine Bedeutung. Einzelne Teile des Tempels sind während des Gottesdienstes von Bedeutung, da sie eine bestimmte Botschaft übermitteln, die vollständig offenbart wird und die gesamte Lehre der Kirche zum Ausdruck bringt. Die Gemälde des Tempels enthalten Seine unsichtbare Präsenz, und je mehr das Bild den Kanonen entspricht, desto stärker ist diese Präsenz zu spüren und bringt mehr Gnade.
Erste Gemälde
Seit der Antike dienten Bilder in Kirchen dazu, den Menschen Informationen zu geben. Der Tempel ist eine Fortsetzung der Formen der Kathedrale; sie müssen nicht nur einen Predigtzweck erfüllen, sondern auch poetische und figurative Funktionen erfüllen. Darüber hinaus ist die Malerei ein Spiegelbild des Wandels von Idealen und des Fortschritts des populären Denkens.
Wie sich die Kunst entwickelte
Ab dem Ende des 14. Jahrhunderts übernahm das Fürstentum Moskau die führende Rolle in der Malerei und leitete in dieser Zeit die Vereinigung der Länder und den Kampf um den Sturz des Jochs der Tataren-Mongolen. Die Schule, zu deren Absolventen Andrei Rublev gehörte, hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Entstehung der Malerei.
Mit dem Namen dieses Ikonenmalers ist die Blüte der Kunst verbunden. Diese Periode fiel mit der Frührenaissance in Italien zusammen. Ein würdiger Nachfolger von Rublev war Dionysius, dessen Gemälde einer orthodoxen Kirche sich durch Raffinesse, Raffinesse und eine helle und helle Palette auszeichnet.
Nach Dionysius kann man an den Wänden der Kathedrale den Wunsch nach einer strukturierten Geschichte beobachten. Oft sind solche Kirchengemälde überladen. Ein wichtiger Bestandteil davon war zu Beginn des 17. Jahrhunderts die Landschaftsmalerei, die die Vielfalt der Natur widerspiegelte.
Das Jahrhundert war reich an dramatischen Ereignissen in der Geschichte des Staates, gleichzeitig entwickelte sich aber auch eine weltliche Kultur, die die Malerei des Tempels beeinflusste. So fordert beispielsweise der bedeutendste Maler dieser Zeit, Uschakow, die Wahrhaftigkeit der Zeichnungen. Peter I., der den Thron bestieg, stärkte den Säkularismus der Wahrnehmung. Einen noch größeren Einfluss auf den Niedergang der Wandmalerei hatte das Verbot der Verwendung von Stein beim Bau von Gebäuden außerhalb von St. Petersburg.
Erst Mitte des Jahrhunderts wurden Schritte zur Wiederbelebung der Tempelmalerei unternommen. Zu diesem Zeitpunkt begann man, Bilder in Stuckrahmen zu platzieren. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts setzte sich in der Kathedralenmalerei der Klassizismus durch, der durch einen akademischen Malstil, kombiniert mit Alfrey- und Ornamentmalerei, gekennzeichnet ist.
Religiöse Malerei des 19.-20. Jahrhunderts
Die Tempelmalerei dieser Zeit entwickelte sich nach den Gesetzen des russischen Jugendstils, der seinen Ursprung in Kiew hatte. Dort konnte man die Werke von Wasnezow und Wrubel kennenlernen. Die von Vasnetsov bemalten Wände der Wladimir-Kathedrale wurden detailliert fotografiert und zeigten dem ganzen Land die Pracht des Gemäldes.
Viele Künstler versuchten, diese Technik bei der Arbeit in anderen Tempeln nachzuahmen. Die Tempelmalerei aus dieser Zeit hatte großen Einfluss auf die Techniken anderer Künstler. Ein genaues Studium der Tempelmalerei ermöglichte ein unvergessliches Erlebnis, das die Auswahl eines für eine bestimmte Architektur geeigneten Stils erleichtert.
Kirche Saint-Eustache, Paris, 1994
Foto: www.protestantismeetimages.com
In den späten 80er Jahren wurde die Pfarrei der Pariser Kirche Saint-Eustache von Pater Gerard Beneteau geleitet, der in den 90er Jahren die berühmtesten zeitgenössischen Künstler zur Zusammenarbeit anzog. Im Jahr 1994 richtete Christian Boltanski eine ungewöhnliche Osterinstallation in der Kirche ein. Am Gründonnerstag, wenn die Kirche an die Ereignisse des Letzten Abendmahls und der Kommunion der Apostel erinnert, wurde in Saint-Eustache ein großer Tisch gedeckt und alle Gemeindemitglieder wurden gebeten, ihre Mäntel nach dem Abendessen in der Kirche zu lassen. Am nächsten Tag, dem Karfreitag, wurden die Mäntel im Mittelschiff abgelegt, und eine Gruppe von drei weiteren Mänteln wurde in der Nähe des Altars aufgestellt, als Symbol für Christus und die beiden Räuber. An Ostern wurden die Gemeindemitglieder nach dem Gottesdienst gebeten, ihre Kleidung abzuholen und zu einem Auto zu bringen, das humanitäre Hilfe nach Bosnien und Herzegowina bringen sollte.
Rebecca Horne „Mondspiegel“
St. Paul's Cathedral, London, 2005
Foto: REX/Fotodom
Die Installation eines der berühmtesten deutschen Künstler des 20. Jahrhunderts wurde im Rahmen einer großen Retrospektive, die damals in einer der Galerien stattfand, im Westteil der St. Paul's Cathedral in London installiert. Mit statischen und beweglichen Spiegeln schuf der Künstler eine komplexe Illusion, die es dem Betrachter ermöglichte, gleichzeitig die Mondsichel unter der Decke der Kathedrale zu sehen und gleichzeitig den Eindruck zu erwecken, in einen tiefen Brunnen zu blicken.
Yoko Ono „Morning Beams“
St. Paul's Cathedral, London, 2006
Foto: www.stpauls.co.uk
Im Jahr 2006 wurde die St. Paul’s Cathedral mit einer Installation von Yoko Ono geschmückt, die aus Seilen und Balken bestand. Weiße Schlingen verbanden das Gewölbe mit den auf dem Boden liegenden schweren Balken und erinnerten an göttliches Licht.
Pleix „Der Astralkörper der Kirche“
Kirche Saint-Eustache, Paris, 2007
Foto: Pleix
Im Rahmen des Nuit Blanche-Festivals 2007 wurden 13 Kirchenfassaden in Paris mit künstlerischen Videoprojektionen geschmückt. Auf der Fassade der letzten gotischen Kirche von Paris, Saint-Eustache, wurde ein Video des Kunstvereins Pleix gezeigt. Das Werk mit dem Titel „ Die „Body Astral Church“ wurde nach dem Prinzip eines Altartriptychons gestaltet und thematisiert die Wechselwirkung zwischen Körperkult und Spiritualitätskult.
Tracey Emin „Für Dich“
Kathedrale, Liverpool, 2008
Foto: www.flickr.com/photos/bevgoodwin
Im Jahr 2008 wurde Liverpool zur Kulturhauptstadt Europas gewählt und aus diesem Anlass wurde beschlossen, bei einem zeitgenössischen Künstler ein Werk für die Liverpool Cathedral in Auftrag zu geben. Die Wahl fiel auf Tracey Emin, Damien Hirsts Mitstreiterin in der Young British Artists (YBA)-Bewegung, deren Hauptthema in ihrer Arbeit schon immer Sex, Beziehungen mit mehreren Liebhabern, Alkohol- und Drogenmissbrauch usw. war. Sie machte eine Inschrift in Neonröhren mit der Aufschrift: „Ich habe dich gespürt und wusste, dass du mich liebst.“ Tracey Emin selbst erklärte, dass sie die Liebe zum Nächsten meinte, aber natürlich können wir auch über göttliche Liebe sprechen.
Hugo Bonamen „Die Kuppel der Solisten“
Kirche Saint-Merri, Paris, 2008
Foto: hugobonamin.wordpress.com
Im Jahr 2007 lud die katholische Kirche Saint-Merri den jungen französisch-argentinischen Künstler Hugo Bonamen ein, im Inneren der alten Kathedrale als Kunstresidenz zu arbeiten. Dadurch entstand eine ganze Reihe von Werken. Beispielsweise diente diese Holzkuppel mit einem darin gemalten Porträt sowohl als dekorative Dekoration als auch als funktionales Element – sie verbesserte die Akustik.
Antony Gormley „The Flash II“
St. Paul's Cathedral, London, 2010
Foto: www.antonygormley.com
Antony Gormley schafft anthropomorphe Skulpturen in verschiedenen Größen – von riesigen Skulpturen in der Größe eines Hauses bis hin zu Skulpturen, die in die Handfläche passen. Seine Werke sind immer offen für die Umwelt und versuchen, sich in sie einzufügen. Für die St. Paul’s Cathedral schuf Antony Gormley eine abstrakte Skulptur, die er selbst als „Christopher Wren (Architekt der St. Paul’s Cathedral)“ beschrieb. Notiz Hrsg.) verstand Proportionen, Raum und Gravitationsdynamik wie kein anderer britischer Architekt seiner Zeit. Die geometrische Treppe ist das höchste und eleganteste Ergebnis dieses Verständnisses. „Flash II ist mein Versuch, mithilfe angewandter Geometrie ein Energiefeld zu konstruieren, das den Platz einer Person im Raum beschreibt.“
Geis van Varenberg „The Upside Dome“
St.-Michael-Kirche, Löwen, 2010
Foto: Jeroen Verrecht
Der Architekt Gijs van Varenberg schuf 2010 eine hängende Kuppel für die St.-Michaels-Kirche in der niederländischen Stadt Leuven. Diese Kirche aus dem 16. Jahrhundert wurde nie fertiggestellt – es stellte sich heraus, dass ihre Mauern nicht stark genug waren, um die Kuppel zu tragen. Um die historische Ungerechtigkeit zu korrigieren, schuf Geys van Varenberg eine Struktur aus Ketten, die an der Stelle des Gewölbes hingen, an der nach dem ursprünglichen Entwurf die Kuppel hätte entstehen sollen. Dieses Werk kann mehrere Bedeutungen haben, die oberflächlichste davon ist die Analogie mit einem Fischernetz, die auf christliche Symbolik verweist.
Subodh Gupta „Der hungrige Gott“
Kirche St. Magdalena, Lille, 2004
Foto: www.efmaroc.org
Subodh Gupta ist einer der berühmtesten indischen Künstler. Seine großformatigen Installationen fertigt er aus Metallutensilien, die in Indien aufgrund ihrer Verfügbarkeit, Einfachheit und Hygiene weit verbreitet sind. Auf Wunsch der Lille-Kirche St. Magdalena schmückte der Künstler ihr Inneres mit mehreren hübschen Geschirrbergen, die wie aus einem Füllhorn aus den Bögen des Tempels fielen.
Marcos Zotes „Elektrifizierte Natur“
Hallgrimskirkja-Kirche, Reykjavik, 2012
Foto: Jon Oskar Hauksson
Im Rahmen des winterlichen Lichterfests in Reykjavik schuf der New Yorker Künstler Marcos Zotes eine Multimedia-Installation, die auf die Hauptkirche der isländischen Hauptstadt projiziert wurde. Und auch wenn die Hauptidee der Installation nicht der Religionsunterricht war, vereinte sie Eindrücke von der einzigartigen Natur Islands und der einzigartigen Architektur der 1945 erbauten lutherischen Kirche von Hallgrimskirkja.
Palkal Martin Tayi „Pascal“
Kirche des Heiligen Bonaventura, Lyon, 2010
Foto: Stéphane Rambaud
Die Säule aus gestapelten Töpfen des kamerunischen Künstlers Pascal Martin Taya wurde in der Kathedrale von St. Bonaventura, dem Schutzpatron des Franziskanerordens, sowie für werdende Mütter, Kinder, Theologen, Träger, Seidenproduzenten und Arbeiter aufgestellt. Das Werk war Teil einer großen kamerunischen Ausstellung. Es war jedoch diese Installation, die bei den Anwohnern für Unmut sorgte und schließlich von Unbekannten zerstört wurde – jemand durchtrennte absichtlich das Seil, das das Gleichgewicht der Pfannen stützte.
Jane Alexander“ Forschung"
Kathedrale von St. John the Evangelist, New York, 2013
Foto: Mario Todeschini
Jane Alexander ist eine südafrikanische Künstlerin, die vor allem für ihr Werk The Butcher Boys aus dem Jahr 1985 bekannt ist, das drei weißhäutige Kreaturen zeigt, die auf einer Bank sitzen. Ihre Körper sehen normal und menschlich aus, aber ihre Augen sind völlig schwarz und sie haben Hörner auf dem Kopf. Damit sprach sich der Künstler gegen die Apartheid aus. Tatsächlich bestimmte dies das weitere kreative Schicksal von Jane Alexander. Im Jahr 2013 schuf sie Explorations (from the Cape of Good Hope) für den St. John's Temple in New York, das stilistisch der frühen Skulptur im Cape Town Museum sehr nahe kommt. Mehrere über den Tempel verteilte Skulpturengruppen stellen Szenen von Gewalt, Diskriminierung und Entbehrung dar, und die Helden dieser Geschichte sind Menschen mit Tierköpfen.
Miguel Chevalier „Zauberteppiche“
Ehemalige Sacré-Coeur-Kirche, Casablanca, 2014
Foto: www.flickr.com/photos/96523319@N05
Die Kathedrale Sacré-Coeur in Casablanca wurde 1930 erbaut, als Marokko noch französisches Protektorat war. Im Jahr 1956, nach der Unabhängigkeit des Landes, wurden im Tempel keine Gottesdienste mehr abgehalten und er wurde zunächst in eine Schule und dann in ein Kulturzentrum umgewandelt. Der französische Künstler Miguel Chevalier hat auf dem Boden einer ehemaligen Kathedrale eine großformatige Projektion geschaffen – das Muster verändert sich, zerfällt in Pixel und bewegt sich im Takt der Musik.
Xu Bing „Phönix“
Kathedrale von St. John the Evangelist, New York, 2014
Foto: Wikipedia
In der St.-Johannes-Kirche finden regelmäßig Ausstellungen zeitgenössischer Kunst statt. Zwei riesige Drachen – die die männlichen und weiblichen Prinzipien repräsentieren – wurden vor einigen Jahren vom chinesischen Künstler Xu Bing geschaffen. Es ist nicht einfach, den Zusammenhang zwischen Chinas riesigen Phönixvögeln und dem Inneren der größten anglikanischen Kathedrale der Welt zu erklären. Die Gemeindemitglieder machen sich darüber jedoch keine allzu großen Sorgen, da das kulturelle Programm des Tempels schon lange existiert und nicht mehr direkt mit liturgischen Zwecken verbunden ist.
Bill Viola „Märtyrer“
St. Paul's Cathedral, London, 2014
Foto: Peter Mallet
Die neueste Arbeit des führenden amerikanischen Videokünstlers Bill Viola in der St. Paul's Cathedral wurde von Rezensenten bereits als „Hightech-Caravaggio“ bezeichnet. Dabei handelt es sich um eine Installation aus vier Plasmabildschirmen, die an einen mittelalterlichen Polyptychon-Altar erinnert – mit dem einzigen Unterschied, dass hier die Qual der Heiligen in Bewegung abgespielt wird. Die vier Elemente, durch die die Märtyrer gefoltert werden, werden auf ästhetisch einwandfreie und dennoch realistische Weise dargestellt. Die Harmonie von Multimedia und Religiösem in diesem Werk lässt keinen Zweifel daran, dass es sich hier um eine logische Fortsetzung der traditionellen protestantischen Kunst handelt.
„Doppelte Worte/Dialog“
Kirche der Heiligen Märtyrerin Tatiana an der Moskauer Staatlichen Universität, Moskau, 2010
Foto: Kommersant
Im Gegensatz zu Katholiken, Protestanten und Anglikanern ist die russisch-orthodoxe Kirche gegenüber künstlerischen Experimenten in Kirchen äußerst zurückhaltend. Das einzige Beispiel war die aufsehenerregende Ausstellung „Doppelte Worte/Dialog“ im Tempel (genauer gesagt im Vestibül des Tempels) der Heiligen Großmärtyrerin Tatiana an der Moskauer Staatsuniversität. Die Kuratoren der Ausstellung waren die Künstler Gor Chakhal und Andrey Filippov sowie der Diakon Fjodor Kotrelev. Die Teilnehmer waren Nikita Alekseev, Kirill Ass, Dmitry Vrubel, Victoria Timofeeva, Konstantin Zvezdochetov, die Gruppe Blue Soup und andere.
Die Ausstellung „Double Words“ war als erster Versuch eines Dialogs zwischen der orthodoxen Kirche und zeitgenössischer Kunst konzipiert, doch der Versuch scheiterte: Die Ausstellung wurde von einigen Künstlern heftig kritisiert (wegen ihres Wunsches, „dem Beispiel des Klerus zu folgen“ ) und von einem Teil der orthodoxen Gemeinschaft (für „Kapitulation vor Gotteslästerern“). . Die Autoren der Petition von Kulturschaffenden an Patriarch Kirill, die unter anderem von Valentin Rasputin, Nikolai Burlyaev sowie Künstlern und Ikonenmalern unterzeichnet wurde, fragten rhetorisch, was die russisch-orthodoxe Kirche mit zeitgenössischer Kunst gemeinsam hat, nämlich „außerhalb der Grenzen der Kultur“ und „kultiviert Versuchung und Skandal“ und bestand darauf, dass der Dialog zwischen Kirche und moderner Kunst nur in der Verurteilung „blasphemer Ausstellungen“ zum Ausdruck kommen könne. Danach versuchte niemand mehr, Ausstellungen wie „Double Words“ zu organisieren.
Über die Kirchen, die vor ihm standen, können Sie unter den Links nachlesen.
Und ich habe bereits darüber geschrieben, wie es gebaut wurde.
Der Innenraum der Kirche beeindruckt durch seine Großzügigkeit.
Die Kathedrale verfügt über drei Altäre, der Hauptaltar ist Isaak von Dalmatien gewidmet, der linke der Großmärtyrerin Katharina und der rechte dem seligen Alexander Newski. Die Innenräume sind mit Marmor, Malachit, Lapislazuli, vergoldeter Bronze und Mosaiken dekoriert. Die Arbeiten am Innenraum begannen 1841, berühmte russische Künstler (F. A. Bruni, K. P. Bryullov, I. D. Burukhin, V. K. Shebuev, F. N. Riess) und Bildhauer (I. P. Vitali, P. K. Klodt, N. S. Pimenov).
Für die Veredelung wurden 14 Marmorsorten verwendet.
Die St. Isaaks-Kathedrale präsentiert eine einzigartige Sammlung monumentaler Gemälde aus der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts – 150 Tafeln und Gemälde. Für die Arbeit an den Wandgemälden wurden die akademischen Künstler Bryullov, Basin, Bruni, Shebuev, Markov, Alekseev, Shamshin, Zavyalov und andere hinzugezogen. Die Leitung der Malerarbeiten wurde dem Rektor der St. Petersburger Akademie der Künste, Professor V. K. Shebuev, anvertraut, das Dekorprojekt und das Gesamtkonzept der Gemälde wurden von Montferrand entwickelt.
Die Arbeiten wurden unter der Kontrolle des Kaisers und der Synode durchgeführt.
Ursprünglich sollten die Gemälde in der Enkaustik-Technik ausgeführt werden. Diese Maltechnik erwies sich jedoch für die klimatischen Bedingungen in St. Petersburg als ungeeignet. Daher wurde beschlossen, die Wände der Kathedrale mit Ölfarben auf einer speziellen Grundierung und die Bilder mit Öl auf Bronzetafeln zu streichen.
Die hohe Luftfeuchtigkeit im Domgelände verhinderte die Entstehung eines gegen äußere Einflüsse resistenten Bodens. Die Wand wurde zum Malen verputzt, mit Bimsstein gereinigt, mit Kohlenbecken auf 100-120 Grad erhitzt und mehrere Schichten Mastix darauf aufgetragen. Die geringe Qualität der Malgrundlage war der Grund dafür, dass diese in einigen Fällen entfernt werden musste und die Künstler die Bilder neu schreiben mussten.
Taube... Ansicht von unten
Die Taube ist sehr groß...
Unter der Kuppel selbst (wo sich die Taube befindet) befindet sich eine interne Aussichtsplattform, zu der Touristen keinen Zutritt haben. Aber es wird unten einen detaillierteren Link zu diesem Ort geben.
Und unter der Taube ist noch eine, schon größer. Dies ist eine Ansicht von oben.
Schauen Sie sich weitere Fotos von dieser Seite und das Innere der Domkuppeln im Beitrag unter dem Link an
Da Temperaturschwankungen, hohe Luftfeuchtigkeit und mangelnde Belüftung in der Kathedrale ungünstige Bedingungen für die Erhaltung der Gemälde in ihrer ursprünglichen Form schufen, entschied man sich bei der Innenausstattung im Jahr 1851 für die Verwendung von Mosaiken für die Innenausstattung.
Die Herstellung von Mosaiktafeln dauerte bis zum Ausbruch des Ersten Weltkriegs. Der Smalt für die Isaakskathedrale wurde in der Mosaikwerkstatt der Akademie der Künste hergestellt. Für die Herstellung der Tafeln wurden mehr als 12.000 Smalttöne verwendet; die Hintergründe bestanden aus Goldsmalt (Cantorel).
Die toten Zombies erheben sich ... aber es besteht kein Grund zur Angst, dies ist kein Film, niemand wird leiden außer den Sündern ...
Erschaffung der Welt... durch Gott den Vater.
Und das ist sein Sohn, der Hof hält ...
Der getötete Tod liegt in der zerbrochenen Sense ... (entschuldigen Sie das Wortspiel) ... Ich wusste nicht, dass der Tod getötet werden kann ...
Bemalung der Kuppel.
Das letzte Abendmahl.
Die Kathedrale verfügt über ein einzigartiges Buntglasfenster mit einer Fläche von 28,5 Quadratmetern. Der Entwurf des Buntglasfensters für die Isaakskathedrale stammt vom deutschen Künstler Heinrich Maria von Hess; die Glasherstellung wurde von M. E. Einmiller, Leiter der „Glasmalereianstalt“ der Königlichen Porzellan-Manufaktur München, betreut.
Bis 1843 wurde im Fenster der Kathedrale in St. Petersburg ein Buntglasfenster installiert. Es ist ein Schlüsseldenkmal in der Geschichte der Glasmalerei in Russland. Das Erscheinen eines Glasgemäldes, das Jesus Christus in der Domkirche der Hauptstadt darstellt, war das Ergebnis des Zusammenspiels westlicher und östlicher christlicher Traditionen, einer einzigartigen Synthese aus figurativen katholischen Glasmalereien und einem Altarbild einer orthodoxen Ikone.
Es gibt eine Legende, dass ich Nikolaus gefragt habe: Finden Sie nicht, dass Ihre Beine zu lang sind (die Ikone des Nikolaus von Dolmatsky?)?
Ja, Sie haben Recht. Ich werde es auf jeden Fall kürzen, aber unter der Kleidung.
Dies ist eine historische Abteilung.
Gläubige können den Gottesdienst kostenlos besuchen, obwohl es hier ein Museum gibt, finden regelmäßig Gottesdienste statt.
Im Oktober dieses Jahres wurde bei Restaurierungsarbeiten ein Geheimtresor im Altar der Isaakskathedrale gefunden.
Es wurde geöffnet und Dokumente über die Aktivitäten des Museums in den Jahren 1936-1939 gefunden. Derzeit wurde eine externe Bestandsaufnahme der Dokumente durchgeführt, Historiker müssen sie noch studieren. Foto (C) Museumswebsite.
